Lucio Fontana (1899 –1968)
Por Viviana Molinaro
Fue uno de
los artistas más controvertidos de la segunda mitad del siglo XX, con un
preponderante protagonismo en el escenario artístico europeo de la segunda
posguerra.
Los
lenguajes, estilos y medios diferentes que utilizó Fontana en sus obras lo
convirtieron en un creador aparentemente contradictorio. Si bien fluctuó por
muchos años entre la figuración y la abstracción, entre el barroquismo sensual
y la austeridad minimalista, más allá de
esas aparentes “polaridades”, fue fiel a un pensamiento central: el hombre en
el tiempo y en el espacio.
Binacional y
bilingüe, hombre elegante, amable, generoso, simpático, optimista, desbordante,
desafiante, luchador, intuitivoy seductor que poseía un carácter vital, sin
angustias ni ansiedades. Amaba, por sobre todo a la vida y el arte.
Lucio Fontana
nació en Rosario – Sta. Fe – Argentina en 1899. Se inició en el arte guiado por
su padre Luigi Fontana, constructor italiano que había establecido en la ciudad
un taller de escultura funeraria y decorativa y el primer estudio de escultura.
Constituyendo un significativo aporte de la cultura italiana en nuestro país. A
los 6 años fue llevado a Italia donde cursó la primaria y en Milán, realizó sus
estudios técnicos. Participó como voluntario en la Primer Guerra Mundial, fue
herido y dado de baja. Además de su producción artística, Lucio Fontana
desarrolló una interesante labor en la enseñanza, siendo en Argentina profesor
de escultura en varias Escuelas y talleres.
Primer
Período Argentino (1920 – 1928):A
los 20 años regresó a Argentina y trabajó con su padre en el taller. Las obras
de este período se incluyen dentro de la tradición clásica, con volúmenes
netos, formas cerradas y planos de transición suaves. Ganó el concurso para el “Monumento a Juana Blanco” (1927),
emplazado en el Cementerio de El Salvador.
En este
período en Argentina también se relacionó con la arquitectura y el diseño
gráfico. En arquitectura en 1927 participó en el concurso para el Monumento
Nacional a la Bandera y para el Monumento al Gral. San Martín en Quilmes.
Primer Período
Italiano (1929 – 1938): En
1928, partió nuevamente a Italia para profundizar su práctica en escultura con
el maestro Adolfo Wildt,quien lo influenciará sobre la calidad de los
materiales, la inclusión del dorado y el color en la escultura. En este período
se produjo la ruptura con la tradición clásica. Se destacan “L’Uomo Nero” (1930),(con perfiles
cuadrados y rasgos primitivos) y “Uomini”,
relieve con figuras limitadas por trazos de perfiles cuadrados. En este período
en sus esculturas también aparece el uso de los más diversos materiales: el
dorado, el mosaico policromo, la cerámica.
Segundo
Período Argentino (1939 – 1946):
Al regresar a Argentina en 1939, Fontana suspende sus experiencias en el
terreno de la abstracción, posiblemente por no estar en un medio propicio para
propuestas de vanguardia. Ya sea por actuar bajo la influencia de su padre, o
por la decisión del artista de responder a las solicitudes de un medio no
acuciado por la guerra. Así, su ánimo se aquieta y vuelve a la representación
figurativa, desarrollando dos formas de resolver la figuración. Una, con líneas
netas, volúmenes simples, clara distinción de las formas y simplicidad
expresiva: ejemplos de este retorno son “Mujer
Peinándose”, en yeso y “Muchacho del Paraná” (1942),en bronce.
Y otra, un estilo opuesto de líneas entrecortadas, volúmenes inquietos que
crean la expansión de la materia, con una impronta a veces brutal y dramática,
pero siempre vital y vibrante, llevando el movimiento de la superficie a una
expansión intensa: ejemplo es “La
DonnaSeduta” (1944), en terracota.
Es aquí en
Argentina, junto a sus alumnos del taller-escuela Altamira, cuando lanza el
primer manifiesto de actitud drásticamente innovadora,“El Manifiesto Blanco”(1946), que inicia el movimiento espacialista:
….Se
requiere un cambio en la esencia y en la forma. Se requiere la superación de la
pintura, de la escultura, de la música. Se necesita un arte mayor acorde con
las exigencias del espíritu…. Las condiciones fundamentales del arte
moderno se notan claramente desde el siglo XIII, en que comienza la
representación del espacio……
…El arte continúa desarrollándose en
el sentido de movimiento…. La música mantuvo su dominio durante dos siglos y
desde el impresionismo se desarrolla paralelamente a la plástica. DESDE
ENTONCES LA EVOLUCIÓN DEL HOMBRE ES UNA MARCHA HACIA EL MOVIMIENTO DESARROLLADO
EN TIEMPO Y ESPACIO. EN LA PINTURA SE SUPRIMEN PROGRESIVAMENTE LOS ELEMENTOS
QUE NO PERMITEN LA IMPRESIÓN DE DINAMISMO……
…Cuando la música y la
plástica unen su desarrollo en el impresionismo, la música se basa en
sensaciones plásticas….
…Tomamos como principio las primeras
experiencias artísticas. Los hombres de la prehistoria que percibieron por
primera vez un sonido producido por golpes sobre un cuerpo hueco, se sintieron
subyugados por sus combinaciones rítmicas…Todo fue sensación en los hombres
primitivos. Sensación ante la naturaleza desconocida, sensaciones musicales,
sensación de ritmo. Nuestra intención es desarrollar esa condición original del
hombre.
El subconciente,
magnífico receptáculo donde se alojan todas las imágenes que recibe el
entendimiento, adopta la esencia y las formas de esas imagines, aloja las nociones
que informan la naturaleza del hombre….El subconciente moldea al individuo, lo
integra y lo transforma….Todas las concepciones artísticas se han debido a la
función del subconciente….
…De este nuevo estado de la conciencia
surge un arte integral, en el cual el ser funciona y se manifiesta en su
totalidad…
…Concebimos la síntesis
como una suma de elementos físicos: color, sonido, movimiento, tiempo, espacio,
integrando una unidad físico-psíquica. Color, el elemento del espacio, sonido,
el elemento del tiempo y el movimiento que se desarrolla en el tiempo y en el
espacio, son las formas fundamentales del arte nuevo, que contienelas cuatro
dimensiones de la existencia. Tiempo y espacio.
El arte nuevo requiere la función de
todas las energías del hombre, en la creación y en la interpretación. El ser se
manifiesta íntegramente, con la plenitud de su vitalidad.
Último
Período Italiano (1947-1968):
En 1947 Fontana partió nuevamente para Italia donde dio comienzo a su poética espacialista, ya enunciada en
el Manifiesto Blanco.
En 1947, Primo
manifestodelloSpazialismo (Primer manifiesto del espacialismo) de BeniaminoJoppolo,
En 1948, SecondomanifestodelloSpazialismo
(Segundo manifiesto del espacialismo) de Antonino
Tullier: ........La obra
de arte es destruida por el tiempo. Cuando, en la hoguera final del universo,
también el tiempo y el espacio dejen de existir, no quedará memoria de los
monumentos erguidos por el hombre, aunque no se habrá perdido ni un pelo de su
frente.
Pero no nos proponemos abolir el arte
del pasado o detener la vida: queremos que el cuadro salga de su marco y la
escultura de su campana de vidrio. Una expresión de arte aérea de un minuto es
como si durara un milenio, en la eternidad. Con esta finalidad, con los recursos
de la técnica moderna, haremos que aparezcan en el cielo: formas artificiales,
arco iris de maravilla, carteles luminosos.......
Fontana hace sus primeras ambientaciones con
formas espaciales, configuraciones informales fosforescentes con luz de negra o
tubos de neón, creando un mundo inquietante donde el espectador podía reconstruir
su propio espacio y crear sus propias vivencias. Luego crearán la Proposta di un Regolamento del MovimentoSpaziale.
Hacia 1949
apareció el tema espacial del torbellino. Fontana agregaba a las telas,
piedras, lentejuelas, vidrios coloreados capaces de crear horizontes ignotos,
paisajes lunares, anticipación profética de viajes espaciales.
En la década
del 50 comenzaron sus experiencias gestuales que se manifestaban através de
tajos, “tagli”, laceraciones o
agujeros, “bucchi”, que infligía a
las telas, al papel, a las láminas de metal o a la cerámica. Estos, son como
signos del espacio más allá de la superficie tradicional del cuadro. Ya no son
la “representación” del espacio, sino “el símbolo” de esa espacialidad cósmica.
Finalmente en 1951/2, surge el ManifestotecnicodelloSpazialismo
(Manifiesto espacial) de Fontana, en
su “Manifiesto Técnico”, Fontana
parecía anticiparse a los viajes espaciales: ….”la verdadera conquista del espacio hecha por el hombre es el
despegue de la tierra, de la línea de tierra del horizonte, que por milenios
fue la base de su estética y su proporción (la perspectiva). Una nueva estética se forma: formas
luminosas a través del espacio. Movimiento, color, tiempo y espacio son los
conceptos del arte nuevo”…Junto con arquitectos creó ambientes espaciales
con signos luminosos de luces de neón o con agujeros en el techo, planos o en
relieve que producían ritmos luminosos y movimientos espaciales.
En 1959,
Fontana realizó presentaciones con telas recortadas con múltiples elementos
combinables, denominando a estos conjuntos Quanta.Fontana participó en la
Bienal de San Pablo y en numerosas exposiciones en Europa y en Oriente, así
como también en Londres, París y Nueva York. Es en esta última ciudad donde,
poco antes de su muerte, estuvo presente en la manifestación Destruction Art,
Destroy to Create (Arte de Destrucción, Destruir para crear) en el
FinchCollegeMuseum of Art.
Poco tiempo
después abandona Milán y se traslada a Comabbio, poblado del cual es originaria
su familia, donde muere en 1968.
FUENTES:
El Profeta
del Espacio – Centro Cultural Borges y Museo Castagnino.
Lucio Fontana
- Alicia Romero, Marcelo Giménez (sel., notas).
